MELODY GARDOT: EL PODER CURATIVO DE LA MÚSICA

Cuenta la leyenda que con 19 años Melody Gardot fue atropellada brutalmente por un coche cuando iba en bici. El accidente resultó terriblemente traumático y desencadenó una angustiosa incertidumbre sobre su recuperación y el temor ante posibles secuelas neurológicas, la invalidez e incluso la muerte. Sin embargo, un milagro inesperado  consiguió que la debilidad de Melody y lo crítico de su situación dieran paso a la esperanza: el milagro de la música. El rhythm´n´blues siempre tuvo esa virtud curativa. Dicen los neurólogos que la música posee cualidades no verbales, creativas, estructurales y emocionales que facilitan el contacto, la interacción, la conciencia de sí, el aprendizaje, la expresión, el desarrollo. Todos estos son elementos sustanciales para garantizar la recuperación de una paciente con traumatismo craneoencefálico como Melody. Y Melody acabó curándose. Desde entonces (2004), nos ha venido deleitando con su música dulce y armoniosa, áspera y triste, jazz, bossa, blues, rock, music hall, chanson.  Aunque su primer álbum oficial fue Worrisome Heart (2008), os recomiendo escuchar el disco conocido como “Some Lessons. Bedroom Sessions (2005)” porque destila autenticidad y dolor. Os invito a leer la letra del tema que da nombre a este disco intimista y veraz.

Luego vendrían “My One and Only Thrill (2009)”, “The Absence (2012)”, “Currency of Man (2015)” y “Live in Europe (2017)”. Con su voz llena de matices, de calidez arenosa, de vida plena, Melody Gardot imparte una lección imperecedera: si con la música fui capaz de recuperar mi espíritu y mi cuerpo, qué no conseguiré transmitir a todos aquellos que me escuchen con todos sus sentidos abiertos. Hay canciones que nos recuerdan un amor que no está y nos producen nostalgia. Otras nos transportan a un estado de plenitud máxima y alegría. Algunas nos invitan a bailar y a movernos a su ritmo, y luego están aquellas que nos sanan o  nos reconcilian con la vida. Todas ellas están encerradas en la voz y en el alma de Melody Gardot.

Worrisome Heart (2008)

Baby I´m a Fool (2009)

AZAM ALI: LA RELIGION DE LA BELLEZA

      Estoy con los que afirman que Azam Ali es un obsequio de Dios. Azam Ali, nacida en Irán en 1970 y radicada en los USA desde los quince años, es una  cantante hechizadora  y una virtuosa del santour (una especie de salterio) que estudió con el maestro Manoocher  Sadeghi. Ha participado en distintas formaciones (VAS, NIYAZ, VGM, Roseland), ha colaborado con grandes músicos como Gregg Ellis, Shahrokh Yadegari o Serj Tankian y nos ha regalado una colección de joyas personales que no pueden faltar en nuestra discoteca. 

      La primera vez que escuche su mágica voz me quedé conmocionado; un sentimiento de belleza y paz absoluta me invadió y no pude hacer otra cosa que sumergirme lentamente en un remanso de espiritualidad. No suelo ser dado a estos transportes psicodélicos, al menos desde los tiempos de Pink Floyd o de Ash Ra Temple. El chillout exótico y los Echoes of the Nature me relajan pero no llego a flipar con ellos: son adecuados compañeros de lectura o de siesta según me pille el cuerpo. Pero cuando escuché a Azam Alí me lancé como un poseso sobre una aplicación que tenía en el móvil (y que he descartado porque se me comía la memoria) y allí estaba: “Golzar” de NIYAZ. Y por encima de aquella música cautivadora, la voz de Azam Ali.

      Hasta que no me hice con aquel disco no paré y luego vinieron muchos otros: Azam Ali con VAS: Offerings (1998) o In the Garden of Souls (2000), Golzar (2005) con NIYAZ, y después su carrera en solitario desde Portals of Grace (2002) hasta el exquisito Lamentations of Swans (2013). Pero ya está bien de rollos,  espero convertiros a la religión de la belleza que nos brinda el alma pura de Azam Ali con estas tres muestras de su arte. En primer lugar os invito a escuchar Parishaan para abrir boca

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Seguimos con una muestra genial del show inmersivo multimedia de NIYAZ

Y para rematar felizmente The Triumph of love

Cactus Tree. JONI MITCHELL

Texto de Enrique

     Esta canción de Joni Mitchell ha venido persiguiéndome desde que la escuché por vez primera en casa de una amiga jipi allá por los setenta y tantos. Quizás era el momento adecuado porque en mi alma rockera la escena folk había ido haciéndose un hueco  a través de la profunda fascinación que desde chavalillo profesé hacia Mr. Dylan y su poesía. Y aunque fui de los que celebré su conversión a la guitarra eléctrica, ya tenía el cuerpo y el oído hechos a las armonías acústicas y a Joan Baez, Peter Paul and Mary, Donovan, Nick Drake, etc,  por lo que la transición al folk rock (americano e inglés) fue completamente natural para mí. A partir de ahí, llegaron Neil Young, Buffalo Springfield, Byrds, CSN&Y y toda la peña que compusieron el lado jipioso de la  banda sonora de mi adolescencia y juventud. Pero desde el setentaycinco, (recién cascado Franco),y junto a mi incipiente afición a ciertas sustancias, allí estaba Joni Mitchell y aquel disco (Song to a Seagull) y aquella canción del Cactus en el que una chica olvidadiza se entretenía tanto en ser libre que el amor pasaba de largo y se le escapaba entre los dedos. No era un reproche sino una llamada de atención.

     Luego ya llegaron otros discos y otras incursiones interesantes en el pop o en el jazz. De ellas tengo muy presente “Mingus” una colaboración fallida con Charlie Mingus que murió antes de terminar el disco y en el que participaron Wayne Shorter, Herbie Hancock y Jaco Pastorius (otro ilustre fallecido prematuro). 

     Y qué decir de su faceta como artista plástica. No solo le debemos hermosas canciones que hicieron famosos a muchos músicos de su generación sino también multitud de portadas y covers de discos propios y ajenos. Solo tenéis que buscar en la red su Sitio Oficial Joni Mitchell.com (o haciendo click aquí) .

    Sin más os dejo para vuestro disfrute esta actuación en directo de Joni Mitchell en la BBC el 9 de octubre de 1970. Podéis seguir la letra cliqueando en este enlace. Además os hago un regalito personal: una interpretación en imágenes de esta canción que me he currado con todo el amor del mundo.  Espero que os guste.

                                             

Este es mi tributo a Joni Mitchell

AIN´T NO MOUNTAIN HIGH ENOUGH. MARVIN GAYE & TAMMI TERRELL

En 1959, Berry Gordy, yesero, estampador, boxeador, compositor y productor, hombre orquesta y emprendedor, compró las instalaciones de una pequeña discográfica especializada en jazz, la 3-D Record Mart, en su Detroit natal. Allí se desarrollaría uno de los fenómenos musicales de la música negra de los sesenta, setenta y ochenta: la TamlaMotown Records. Jackie Wilson, Smokey Robinson and the Miracles, The Supremes, Martha and the Vandelas, Temptations, Commodores, Gladys Knight and the Pips, The Four Tops, Marvin Gaye, los Jackson5, Stevie Wonder y un larguísimo etc. que constituyeron no solo un elenco de artistas triunfadores y una fábrica de éxitos, sino algo mucho más sólido y definitivo: un sonido, un estilo, una tendencia. Pero esa historia no siempre gloriosa es un cuento para otro día. Hoy vamos a recordar uno de esos éxitos protagonizado por dos fulgurantes estrellas que brillaron hasta deslumbrar a todo el mundo y que transitaron por el lado amable de la vida hasta ser arrastrados por un destino trágico e implacable. Marvin Gaye y Tammi Terrell y su inolvidable Ain´t No Mountain High Enough (1967). Tammi falleció a los 25 años en 1970 de un tumor cerebral, había sido una artista envidiada pero también una víctima de la violencia de género. Marvin se vino abajo cuando murió su compañera artística y tras una dura travesía del desierto por el mundo de las drogas fue capaz de resurgir convertido en una leyenda. Como todas las leyendas, su final: desdichado y tremendo. En 1984, a los 45 años, y en el transcurso de una bronca monumental, su padre –dicen que en defensa propia- le pegó dos tiros con la pistola que él mismo le había regalado.

En 1970, la glamurosa Diana Ross reeditó este tema y lo convirtió en un pelotazo, número uno en el Billboard. Os lo pongo también para escarnio de la Ross. La letra podéis encontrarla en el siguiente enlace.

NELLIE MCKAY. MOTHER OF PEARL- CLONIE

        Hoy cambiamos un poco el registro. Del frikifolk de Trees y del R&B de Laura Nyro pasamos a las antípodas del saber estar y vamos a escuchar a una cantautora con “sentido del humor”. Se trata de Nellie McKay. Feminista, animalista y vegana. Si nos dejáramos llevar por los prejuicios posmodernos, directamente la enviaríamos al limbo de los pesados junto a Lluis Llach y Ben Harper por ejemplo. Pero no, Nellie McKay es una tía divertida, interesante y versátil. Versátil por su nacionalidad (británico-americana), y también por sus influencias intelectuales y musicales.  Sin ir más lejos debutó en Broadway en 2006 con la enésima versión de la Die Dreigroschenoper, Opera de la perra gorda, Threepenny Opera, de Kurt Weil y Bertolt Brecht. Más cultureta imposible. Además es una reputada humorista de stand-up comedy, actriz de cine más o menos independiente y cantante que toca todos los géneros  (jazz, pop, rap, rock, etc.) con cierto criterio, aunque resulte difícil de creer. Mi consejo es que le deis una oportunidad. Sus letras son divertidas e irónicas pero profundas y comprometidas. Es rápida, inteligente y sensitiva… y un puntito cabrona. No posee una gran voz pero sabe sacarle partido a la que tiene y es una instrumentista aceptable (piano, guitarra, ukelele…).

           Para conocerla podemos empezar por dos muestras características. Mother of Pearl es una canción maldita e incomprendida que le ha valido tanto el reconocimiento y la sonrisa como el odio y el desprecio de los mismos sectores ideológicos de los USA. Conseguir que te amen y te odien los de tu misma cuerda (feministas, demócratas, veganos) ya dice mucho de ti. Con Clonie no hay problema, a todo el mundo le divierte, incluso a Eminem y a Russell Crowe, a los que menciona en ella. Esta última es una canción que habla sobre el lado perverso de la ciencia y la canta con un bonito acento de niña pija de los ochenta. Sin más preámbulos, Nellie McKay (tenéis las letras traducidas en el enlace).

Mother of Pearl

(*) Dennis Kucinich 

                                 Clonie

  (**) Las letras traducidas por Elia y Enrique en este enlace. Mother of Pearl & Clonie lyrics 

LAURA NYRO. WEDDING BELL BLUES

         

Laura Nyro es una de esas joyas ocultas con brillo y luz propia que en los sesenta y setenta quedaron eclipsadas por las grandes divas del rock, el pop y el folk, pero que son fundamentales para entender la evolución musical de esta época fecunda y convulsa. Mientras la carismática y tremenda Janis Joplin triunfaba (y desafinaba) en el Festival de Monterrey con los Big Brothers and the Holding Co., Laura Nyro tuvo que salir casi por la puerta trasera porque a los hippies no les gustaba su blues delicado y su voz sensitiva (y eso que era la novia de Jackson Browne). Pero Laura fue una gran intérprete que pasó a la historia como compositora de éxitos para otros cantantes y grupos. Seguro que todos conocéis muchas de sus canciones y las habéis disfrutado, cantado y bailado sin saber que se las debemos a ella y a su inmenso espíritu creativo. Princesa en la sombra del blues, del soul, del pop, del jazz, del rock. Así era Laura Nyro. The 5th Dimmension, los Blood Sweat and Tears -tras la marcha de Al Kooper fue postulada como posible lead singer-, Peter Paul and Mary, Barbra Streisand, Three Dog Night, LaBelle, y tantos y tantos otros. Curiosamente, uno de sus primeros éxitos (Up on the Roof) fue un tema de otra extraordinaria compositora (con mucha más popularidad y suerte que ella), Carole King. Ambas pertenecieron al famoso Brill Building (El Edificio de Ladrillos) en el 1619 de Broadway, donde se cocían desde los años 40 los mayores éxitos de la música popular americana. Por allí deambulaban Glenn Miller, Benny Goodman, o Jimmy Dorsey. Allí se gestaron todos los éxitos de Carole King y Gerry Goffin. Allí fue a parar Laura Nyro siendo una niña. Allí se gestó su primer disco First Songs (1967/1973).

     Sus discos “New York Tendaberry” (1969) y “Christmas and the Beads of Sweet” (1970), el directo de “Season of Lights” (1977. Rem.2008), o el recopilatorio "Collections" (1970), han pasado a la historia como fuentes de inspiración de musicos como Elton John, Tod Rundgren, Bette Midler, Steely Dan, Tori Amos o Cindy Lauper.

    Pero su historia no es un relato de brillo y oropel. Es una historia de respeto y consideración, de admiración y de reconocimiento tardío, cuando ya nada se podía hacer por ella. Pasó por muchas dificultades personales y económicas. Feminista, Bisexual. Acabo sus días junto a la pintora Maria Desiderio, falleciendo tristemente en 1996 de un cáncer de ovarios.

          Como es habitual, completamos la entrada con la exitosa versión de 5thDimmension, que consiguió llegar al número 1 del Billboard en agosto de 1969.

TREES Y EL JARDÍN DE JANE DELAWNEY (1970)

Enrique y Elia

              El “Jardín de Jane Delawney” supuso el debut del grupo folkie-gótico Trees en 1970. La primera vez que escuché este tema, formaba parte del doble LP recopilatorio “Llena tu cabeza de Rock CBS (1970)”, grabación esclarecedora que para muchos/as chavales/as de los 70 fue como una auténtica aparición mariana que nos permitió conocer a gente como Laura Nyro o al indigente friki de Louis Hardin (Moondog), o a grupos esenciales como The Flock (Jerry Goodman), Spirit (Randy California), Black Widow, etc.

         Entre todos ellos destacaban los Trees. Con los años conseguimos hacernos con los dos únicos discos de estudio que tienen publicados: “The Garden of Jane Delawney (1970)” y “On the Shore (1971)”. Arreglos casi perfectos del productor Bias Boshell y la escalofriante voz de Celia Humphris, temas inquietantes, canciones de fantasmas y aparecidos (haunting songs), acordes folkies y arreglos psicoprogresivos sobre temas tradicionales. Trees es un grupo de difícil clasificación ya que podríamos estar hablando del lado oscuro de Fotherengay (Fairport Convention) o de Steeleye Span y en esta ecuación, Celia Humphris sería la hermana gótica de Sandy Denny o de Maddy Prior. Una flipada. Para que pilléis onda os adjuntamos la letra de la canción con una traducción de la tita Eli.

            P.D.: De todos los innumerables covers que existen en la red de esta canción, Enrique y yo hemos tenido nuestros más y nuestros menos. Como él es muy pijo,  prefería la versión raruna de la banda de las Islas Feroe Ygsdrassil y yo, la más normalita de los franchutes Dark Sanctuary. Al final ha prevalecido mi criterio que para eso el blog es mío, jejeje. Que las disfrutéis.

TREES

DARK SANCTUARY

NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS

            La idea de Pesadilla antes de Navidad comenzó a tomar forma en la mente de Tim Burton cuando vio en una tienda cómo retiraban la mercancía de Halloween para sustituirla por la de Navidad. Tim Burton tenía planeado dirigir la peli personalmente pero estaba terminando el rodaje de Batman Returns  por lo que tuvo que confiar la dirección a Henry Selick. Para su producción, Tim Burton consiguió reunir a un grupo escogido de animadores y artistas y fundó una compañía llamada Skellington Studios. El guion original fue adaptado por Michael McDowell y Caroline Thompson. En esta  película se utilizó una laboriosa técnica de animación llamada stopmotion y fue la primera de una serie de películas de Tim Burton que recurrió a  este estilo. 

        Una vez que los bocetos iniciales de los distintos personajes fueron aprobados definitivamente, comenzaron a construirse a media escala las maquetas de cartón, que serían utilizadas de guía para la elaboración de los escenarios finales. A menudo, el equipo tuvo que improvisar soluciones creativas a los problemas que iban apareciendo durante la producción. Uno de los más complejos fue el dotar a los personajes de las distintas expresiones que se ven en la película y especialmente hacerlos hablar (y cantar). Algunas marionetas tenían bocas que se movían manualmente, mientras que las de los personajes principales, como Jack  tenían cientos de cabezas reemplazables con expresiones diferentes, con lo que se pudo conseguir un amplio rango de expresiones. Con esta técnica artesanal, la filmación fue bastante lenta y tediosa: tardaron cerca de 3 años en terminarla. El equipo tuvo que ser muy cuidadoso en el manejo de los escenarios y de las marionetas, ya que un simple golpe podía arruinar la toma, y esto hubiera supuesto tener  que comenzar de cero.

        Al final de la producción del filme, los escenarios y marionetas tuvieron diferentes destinos. Henry Selick tiene varios de ellos en su colección personal, y algunos de los animadores conservaron parte de las marionetas. Muchos de los elementos fueron reciclados para ser usados en otras películas. La Ciudad de Halloween puede ser vista actualmente en la escalera que conduce al primer piso del Planet Hollywood de Disney Springs (Orlando, Florida).

(Resumido y adaptado desde la Wikipedia)

PAUL MCCARTNEY Maybe I'm Amazed

            Corría 1969 y desde su tumba ficticia Paul Mccartney se arrastraba entre la depresión y el alcohol. El sueño se había acabado. “Diferencias personales, diferencias de negocios, diferencias musicales, pero sobre todo porque paso mejores momentos con mi familia. ¿Temporal o permanente? Realmente no lo sé». Ese fue el epitafio que Paul incluyó como autoentrevista en la carpeta de su primer disco en solitario. Otro motivo más para agrandar la herida, porque se empeñó en publicar “McCartney” un mes antes (17-4-1970) de que Apple pusiera a la venta “Let it Be” (8-5-1970). La bronca fue sonada, y menos felicitaciones, hubo de todo. Ringo y él se amenazaron de muerte, John le ninguneó y dijo aquello de que Paul era “muzak for my ears”. El único que templó gaitas, o más bien sitares, fue George que reconoció el genio de su compañero en composiciones como Every Night o la que nos trae hoy aquí: Maybe I´m Amazed. La crítica fue contundente y lo vapuleó sin piedad acusándole de banalidad y descuido, aunque la verdadera razón fue que TODO el mundo le atribuyó el fin de los Beatles y debía pagar por ello. Pero con los años, la opinión sobre “McCartney” ha ido cambiando y hoy en día recibe comentarios bastante benévolos y mucho más ajustados. Realmente es un disco sencillo y sin ningún adorno. 

              Recoge canciones descartadas del proyecto GetBack, temas que escribió en su retiro en Campbeltown (cuando se dijo que había muerto) y otros que elaboró e incluso improvisó sobre la marcha mientras grababa él solito todos los instrumentos en un magnetófono de cuatro pistas. Posteriormente las pasó a ocho pistas en un estudio independiente donde terminó de perfilarlo y acabó de rematar la faena en los estudios Abbey Road trabajando bajo seudónimo. Inexplicablemente para la crítica especializada y sus excompañeros, vendió más de un millón de ejemplares en todo el mundo y fue número uno en el Billboard en USA, o número dos en el UK Album Charts en Reino Unido. Parte de ese éxito se debe sin duda a la simplicidad campestre que rezuma, ya que suena como sonaría un tipo relajado al amor de la lumbre haciendo música para pasar un buen rato con la familia y los amigos («posee una calidad casera entrañablemente harapienta»). Y otra parte del éxito se debe a que estamos hablando de Paul McCartney, que podrá gustar más o menos pero al que nadie puede negar su genialidad como compositor y el carisma de su música que se te acaba metiendo dentro para emocionarte aunque no quieras. Pero dejémonos de historias y escuchemos Maybe I´m Amazed en el Wings American Tour en 1976.

              Para completar la diversión, os invito a disfrutar de este cover de los Faces de Rod Stewart y Ron Wood grabado para la TV británica también en 1976.